Cinema – Eccellenze Italiane

Massimo Ghini

PMSAdmin — Thu, 14 Aug 2025 06:48:20 +0000

Massimo Ghini: Roma, le assenze e il primo sguardo sul mondo

Roma è la città in cui sono nato, ma soprattutto il luogo in cui ho imparato a interpretare le assenze. Mio padre, molto impegnato nel mondo politico, lasciò la nostra casa quando avevo tre anni. La separazione non è un trauma che puoi spiegare a un bambino: è un dolore di fondo che entra in tutto. Restava mia madre, una presenza che sorreggeva la nostra vita con una determinazione silenziosa. Io crescevo tra lei e il vuoto lasciato da mio padre, cercando un modo per riempirlo.

A scuola mi chiamavano “er bullo”: non perché fossi aggressivo, ma perché non avevo paura di niente, forse per istinto di sopravvivenza. Eppure, sotto la corazza, ero un ragazzino che si sentiva fuori posto. Quando qualcuno mi chiedeva cosa volessi fare da grande dicevo sempre: “il direttore d’orchestra”. Non avevo mai preso in mano una bacchetta, non sapevo leggere la musica, ma quell’idea custodiva una verità che ancora non sapevo esprimere: volevo guidare qualcosa, dare un ritmo alle emozioni, essere al centro di un racconto.

Solo più tardi ho capito che quella parola, “direttore”, proteggeva un desiderio più intimo: volevo essere un attore, ma all’inizio non avevo il coraggio di ammetterlo. L’infanzia fu un misto di rabbia e poesia, di fragilità e resistenza. Subii anche episodi di bullismo, e mentre imparavo a difendermi, imparavo anche a guardare gli altri, a osservare i gesti, i silenzi, le crepe. Forse è lì che è nato il mio modo di stare al mondo.

La caduta e la rinascita: l’Accademia mancata, Strehler e il destino che si apre

Tentai l’ingresso all’Accademia d’Arte Drammatica con la convinzione che quello fosse il passaggio naturale per chi voleva salire su un palco. Non andò come speravo: fui bocciato. Tornai a casa con il peso di una delusione che, in quel momento, sembrava enorme.

Pochi mesi dopo arrivò l’incontro che cambiò tutto: Giorgio Strehler. Al provino, che riuscì a fare come ultimo per il rotto della cuffia, ero teso, giovane, con addosso ancora la sensazione di non essere “abbastanza”. Lui, invece, cercava altro: non la perfezione, ma una possibilità. Io avevo preparato “Ricorda con rabbia” di Osborne, un classico dei provini. E quando, una volta terminata la performance, Strelher mi chiese se avessi altro, rimasi senza parole. Qualche giorno dopo arrivò una telefonata. Ce l’avevo fatta. Nessuno ci avrebbe scommesso.

Strelher mi ha insegnato che il teatro non è un posto dove si recita, ma dove si vive. Il suo rigore era assoluto, ma la sua libertà lo era ancora di più. Da lui ho imparato l’unica regola che ancora oggi considero essenziale: non tradire mai la verità – né quella del personaggio, né la tua.

Nel cuore del mestiere: disciplina, verità e movimento

Il cinema ti immortala, il teatro ti espone, la televisione ti accompagna. So che ogni linguaggio chiede una verità diversa, ma pretende la stessa autenticità. Vivere di questo mestiere significa accettare che ogni giorno ricominci da zero: non c’è un archivio che ti protegge, c’è solo ciò che sei capace di dare adesso.

Ho incontrato colleghi che mi hanno insegnato moltissimo, ho visto talenti immensi perdersi e altri rinascere. Ho imparato che il mestiere non si eredita: si guadagna, ogni volta.

Il teatro è la mia radice: ci sono nato artisticamente, prima con Strehler e poi attraversando autori che mi hanno costretto a crescere, da Brecht a Pirandello, fino alle drammaturgie contemporanee. Il palco mi ha dato la disciplina, il respiro, la capacità di ascoltare.

Il cinema mi ha regalato un’altra prospettiva, più intima e profonda: la possibilità di esplorare l’animo umano da vicino. Ho esordito nel 1979 con “Speed Cross”, e da lì ho incrociato registi come Bertolucci, Verdone, Barzini, D’Alatri, Ferrara, Lizzani, Virzì, Rosi, Vanzina, Muccino e De Sica Jr. Ho vestito i panni di personaggi molto diversi, ma sempre con una cifra riconoscibile: Roberto Rossellini in “Celluloide”, un sindacalista in “Il caso Guido Rossa”, l’onorevole Valenzani in “Compagni di scuola”, Gerry Fumo in “La bella vita”, e il vampiro Vladimiro nei due film della saga “Una famiglia mostruosa”. Ho avuto modo di lavorare anche a livello internazionale, come nello spot diretto da Francis Ford Coppola, o sul set con Philip Haas, accanto a Sean Penn e Anne Bancroft. E nel doppiaggio ho prestato la mia voce a diverse star, tra cui Nicolas Cage.

La televisione è stata un’altra palestra fondamentale, un territorio dove il pubblico ti osserva da vicino e ti adotta solo se riconosce la tua verità.

Tra cinema e tv ho attraversato generi e mondi molto diversi, dando vita a figure che sono entrate nell’immaginario collettivo: il giovane Roncalli (divenuto papa col nome di Giovanni XXIII), Antonio Meucci, Galeazzo Ciano, Enrico Mattei, Ennio Doris.

Tutto questo mi ha insegnato che fare l’attore non vuol dire saper fare tutto. Oggi sembra che chi sta in scena debba avere un’opinione su tutto, debba mostrarsi esperto in ogni campo. Io no. Ho sempre rispettato le competenze, le specializzazioni. Mi riconosco, semmai, in una certa “tuttologia” personale: ho sempre avuto la tendenza a mettermi alla prova, a dire sì alle sfide, a spingermi oltre. La mia carriera non è una somma di titoli, ma un percorso fatto di tentativi, cadute, ripartenze. Il pubblico vede il risultato. Ma il lavoro vero è tutto quello che resta nascosto.

La bussola del teatro

Il teatro è la mia bussola, la linea che mi riallinea quando tutto il resto si muove troppo in fretta. È il luogo dove non posso barare, dove ogni esitazione si vede e ogni verità si sente. Il palco mi rimette al mio posto: toglie le protezioni, le abitudini, l’esperienza che il cinema e la televisione, inevitabilmente, costruiscono intorno a te. Ogni sera è una prova: cambi pubblico, cambia l’aria, cambia il ritmo interno delle parole.

Non puoi ripeterti, non puoi nasconderti. Se menti, il teatro ti smaschera senza pietà. Eppure è lì che ritrovo la mia radice. È lì che riconosco quel ragazzo che, da bambino, aveva paura perfino di pronunciare la frase “voglio fare l’attore”. Lo guardo da lontano e gli sono grato: senza quella timidezza, senza quella lotta interiore, non avrei trovato il coraggio per attraversare tutto il resto. Il teatro è questo: un rischio continuo, una vertigine necessaria, il solo luogo che ti ricorda chi sei davvero quando le luci si spengono.

Memoria, ferite e forza

Le ferite dell’infanzia non se ne vanno: imparano a parlare. Quel bambino che cercava il padre è ancora con me. È lui che mi costringe a non accontentarmi, a studiare, a osservare gli altri con rispetto, a non dimenticare mai da dove vengo. Il dolore è stato un maestro più severo di Strehler, ma mi ha insegnato la stessa cosa: non barare. Non nella vita, non sul palco.
È da lì che nasce la mia forza: dalla consapevolezza che ogni persona porta dentro un mondo invisibile.

L’eredità politica: mio padre, le idee e la responsabilità civile

Il rapporto con mio padre è stato complesso, ma la sua militanza politica ha lasciato in me una traccia profonda. Crescere accanto a una figura impegnata nel dibattito pubblico significa respirare l’idea che le parole abbiano un peso e che le scelte non siano mai solo personali. Negli anni ho sentito il bisogno di restituire quella eredità attraverso un mio impegno civile, misurato ma costante.

Non sono mai stato un “attore prestato alla politica”, né ho cercato ruoli che non mi appartenessero. Ho sostenuto battaglie culturali e sociali, ho portato la mia voce dove sentivo che potesse servire, con discrezione ma con convinzione. La politica, per me, è una forma di responsabilità: non un mestiere, ma un dovere morale.

Il destino non arriva, si incontra

Non credo nella fortuna come dono. Credo nella fortuna come incontro: tra ciò che sei disposto a fare e ciò che il mondo è disposto a restituirti. Ho avuto maestri straordinari, occasioni irripetibili, momenti di smarrimento e momenti di grazia. Ma soprattutto, ho avuto una certezza: non ho mai mollato.

Se guardo al mio percorso, vedo ancora quel bambino che voleva dirigere un’orchestra senza sapere nulla di musica. E continuo a credere che il compito di un attore sia lo stesso di un direttore: dare un senso al caos, trasformare il rumore in armonia, restituire alla vita una forma che commuova, anche solo per un istante.

Francesco Pannofino

PMSAdmin — Wed, 20 Sep 2023 13:41:53 +0000

L'infanzia tra la Liguria e le radici pugliesi

Sono nato nel 1958 in Liguria, ma le mie radici affondano profondamente nella Puglia, la terra dei miei genitori. Cresciuto lontano dal mondo dello spettacolo, ho sempre percepito il potere della voce e dell’arte. Da bambino mi dilettavo a recitare poesie e imitare i miei professori, senza però comprendere appieno che il mio destino sarebbe stato ben oltre.

Il trasferimento a Roma e l’inizio del percorso

All’età di 14 anni, la mia famiglia si trasferì a Roma. La capitale, con i suoi teatri storici e i suoi vicoli, divenne il mio nuovo mondo. Sebbene all’università mi fossi iscritto a matematica, sapevo che la mia vera aspirazione era altrove. Roma mi offrì l’opportunità di immergermi in un ambiente culturale e artistico che mi avrebbe cambiato la vita.

La svolta: dall'università al doppiaggio

Durante il periodo universitario, ho vissuto un momento cruciale della storia italiana: il sequestro di Aldo Moro. Quell’evento segnò una svolta nella mia vita. Lasciai l’università, trovandola troppo distante dal mio modo di essere. Il mondo del doppiaggio si aprì per me come una sorpresa inaspettata. Insieme a mio fratello Lino, cominciammo quasi per gioco, riscoprendo il potere della mia voce, che nel tempo si era fatta più profonda e rauca.

Il doppiaggio: un percorso di successo internazionale

Il doppiaggio si rivelò essere la mia vera vocazione. Senza quasi accorgermene, mi ritrovai a dare la voce a icone del cinema mondiale come George Clooney, Denzel Washington, Antonio Banderas e Kevin Spacey. La mia voce divenne parte integrante dei loro personaggi, unendo il mio timbro a quello dei grandi attori.

La recitazione sul grande schermo

Oltre al doppiaggio, ho avuto l’opportunità di esplorare la recitazione sul grande schermo. Ho preso parte a diversi film come “Boris – Il Film”, “Faccio un salto all’Avana”, “L’arbitro”, “Notturno bus” e “Diverso da chi?”. Anche se non sempre da protagonista, ogni ruolo mi ha permesso di crescere come attore e di esprimermi attraverso nuove sfumature artistiche.

Il successo in televisione

La televisione ha rappresentato un’altra fase importante del mio percorso artistico. Dalla serie “I Cesaroni” a “Boris”, ho interpretato personaggi che sono entrati nella cultura televisiva italiana. Ogni set è stato un’esperienza unica, un’opportunità di imparare e raccontare nuove storie attraverso i miei personaggi.

Grato per il passato, con lo sguardo al futuro

Oggi, guardando indietro, mi sento grato per ogni opportunità che ho avuto. La mia carriera, iniziata quasi per caso, si è trasformata in un viaggio straordinario. Il mio percorso continua, con la speranza di lasciare un’impronta duratura nel cuore di chi mi segue.

Silvia Bizio

PMSAdmin — Thu, 27 Jun 2024 15:27:01 +0000

La mia passione per il cinema: dalle storie ai film

La passione per il cinema mi ha rapita fin da giovane. Crescendo tra i libri e le discussioni accese sulla letteratura, coltivavo un amore profondo per le storie e per il modo in cui venivano trasformate sul grande schermo.

Il percorso accademico: da Roma a Los Angeles

Laureata in Lettere e Filosofia all’Università degli Studi di Roma, ho poi proseguito il mio percorso negli Stati Uniti, con un Master in Sociologia e Comunicazioni di Massa presso l’Università della California a Los Angeles.

L’ingresso nel mondo del giornalismo cinematografico

L’ingresso nel mondo del giornalismo e della critica cinematografica è stato un passo naturale. Da Los Angeles, la capitale mondiale del cinema, ho iniziato a scrivere per La Repubblica e l’Espresso, scrutando l’anima dei film che incantano il mondo intero.

Hollywood Foreign Press Association: un ponte tra Italia e America

La Hollywood Foreign Press Association è stata per tanti anni la mia famiglia professionale, un ponte tra il mio passato italiano e il mio presente americano.

Cinema Italian Style: promozione del cinema italiano negli USA

Non mi sono limitata a scrivere. Ho voluto contribuire attivamente alla promozione del cinema italiano oltre oceano. Come direttore artistico di Cinema Italian Style, ho collaborato con Cinecittà Luce e l’American Cinematheque per portare il meglio del cinema italiano contemporaneo a Los Angeles.

Il debutto come produttrice cinematografica

Il mio amore per la narrazione mi ha spinto anche oltre i confini del giornalismo. Ho debuttato come produttrice con “Il turno di notte lo fanno le stelle”, un cortometraggio scritto da Erri De Luca e diretto da Edoardo Ponti. L’opera non solo è stata inserita nella shortlist per l’Academy Award, ma ha anche vinto il Tribeca Film Festival come miglior cortometraggio.

Dalla critica alla produzione, dal cinema alla letteratura, l'amore per la narrazione è sempre stato il fil rouge della mia vita. Ogni progetto è un viaggio nell'anima delle storie che amo raccontare e condividere con il mondo.

Progetti speciali: Bukowski e i prigionieri di guerra italiani

Tra le tante esperienze, ci sono due progetti che mi stanno particolarmente a cuore. Il primo è “You never had it: una serata con Bukowski”, un documentario basato su una mia intervista video del 1981 con Charles Bukowski. Il secondo progetto, “Camp Monticello: una storia dimenticata”, è stato per me un tentativo di recuperare e preservare la memoria dei prigionieri di guerra italiani internati negli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale.

La mia vita a Los Angeles e l’impegno continuo nel cinema

Oggi vivo ancora a Los Angeles, immersa nell’energia contagiosa di questa città. Continuo a scrivere, a produrre, a esplorare nuove storie e a dare il mio contributo al mondo del cinema e della cultura con l’amore che ha sempre guidato il mio lavoro.