Arte – Eccellenze Italiane

Albano Poli

PMSAdmin — Mon, 24 Jul 2023 12:30:48 +0000

Breve biografia

Albano Poli è nato nel 1935 ed è cresciuto durante la seconda guerra mondiale, vivendo il dramma di quei tempi. Fortunatamente, ha avuto il sostegno della sua famiglia e della comunità di Verona, che gli hanno dato la forza di superare quelle difficili esperienze.

Dopo la guerra, durante l’adolescenza, ha imparato il valore del sacrificio e dell’impegno per ricostruire e ricominciare. Ha studiato alla scuola d’arte, dove è stato ispirato dall’Artista Casarini, sviluppando così l’amore per la vetrata artistica. Ha iniziato a lavorare con il Maestro Veronese Ballardini e poi, a soli 22 anni, ha preso il suo posto insieme al Maestro Cavallini, fondando la “Arte Vetraria Veronese” nel 1957.

Nel 1968, Albano Poli e il suo socio hanno preso strade diverse: con grande lungimiranza, ha fondato POLI ARTE, un’azienda che si è rapidamente affermata nel panorama del design d’arredo Made In Italy. Lo stesso anno, ha ricevuto il primo riconoscimento alla XXXIV Biennale di Venezia per una lampada scultura dalla geometria cubica, diventata il simbolo e l’ispirazione per le produzioni future.

Le lampade POLI ARTE, realizzate su commissione, si sono trasformate in opere uniche all’avanguardia, in grado di emozionare chi viveva nello spazio illuminato. Albano Poli ha introdotto un vetro meno fragile ma solido e sicuro, consentendo di costruire opere d’arte in sintonia con i tempi moderni.

Il successo delle lampade POLI ARTE è stato riconosciuto nel 1970 con la medaglia d’oro alla Fiera Internazionale dell’artigianato di Monaco. Il marchio POLI ARTE ha attratto l’interesse di Dior al Salone del Mobile di Milano, diventando un simbolo di uno stile unico e riconoscibile, caratterizzato dall’arte che ha contraddistinto la produzione per tutti gli anni ’70.

Negli anni ’80, l’azienda ha dovuto affrontare cambiamenti e una crescente produzione industriale cinese, così Albano Poli ha deciso di tornare alla realizzazione di vetrate artistiche. Ha trasferito la produzione in una nuova sede, mantenendo la sua attività artistica personale nella villa veronese.

Progetto Arte Poli

In PROGETTO ARTE POLI, ha continuato a lavorare con il vetro soffiato, il ferro battuto, la pietra e il legno, realizzando vetrate artistiche che illuminano con la loro arte e luce, mosaici di pietra, smalti e tessere dorate, sculture in marmo, bronzo e legno, decorazioni ad affresco e arredi sacri o privati.

Il percorso di Albano Poli da POLI ARTE a PROGETTO ARTE POLI ha avuto un forte impatto sull’economia veronese, creando un distretto della vetrata artistica nel nordest. PROGETTO ARTE POLI è diventato l’incarnazione della metafora della prima lampada POLI ARTE, un atelier artistico unico dove diverse forme artistiche si fondono e dialogano, guidate dalla stessa luce del Maestro fondatore.

Poli Arte

POLI ARTE è un pezzo di storia dell’arte della luce, che continua a illuminare il presente e a influenzare positivamente la realtà vivace dell’atelier artistico PROGETTO ARTE POLI.

Contessa Maria Vittoria Colonna Rimbotti

PMSAdmin — Tue, 18 Jul 2023 08:28:06 +0000

Le mie radici

Sono nata a Napoli nel 1937, in una famiglia dalle radici nobiliari profonde.

La città, con il suo calore, la sua vivacità e la bellezza paesaggistica, è stata la cornice della mia infanzia e della mia formazione. Crescendo in una città così ricca di contrasti, ho imparato a trovare la bellezza anche nelle difficoltà. Mio padre, Carlo Colonna di Paliano, era un uomo di grande prestigio: Onorevole e Costituente nel primo Parlamento italiano, era spesso assente a causa dei suoi impegni pubblici e per la conduzione delle sue proprietà in Calabria. Mia madre gestiva da sola la nostra numerosa famiglia. Le sue norme severe erano accompagnate da un amore profondo per la nostra educazione. Da lei ho appreso che la determinazione e il lavoro erano fondamentali. Questo background familiare mi ha insegnato a non dare nulla per scontato e a guardare avanti, affrontando ogni sfida con la massima serietà.

Il trauma della guerra

I miei primi anni sono stati segnati dalla guerra, che ha influito profondamente sulla mia vita e sulla mia famiglia. Napoli, durante la Seconda Guerra Mondiale, fu teatro di eventi drammatici. Ricordo bene i bombardamenti incessanti e le nostre notti passate negli scantinati sotterranei di Palazzo Donn’Anna, la nostra residenza, una maestosa dimora del ‘600, costruita dall’architetto Cosimo Fanzago per volere del viceré spagnolo don Filippo Gùzman de las Torres e destinato a sua moglie Anna Carafa.

Le esplosioni e i suoni spaventosi erano parte della nostra quotidianità e i rifugi antichi nel tufo divennero la nostra casa temporanea. Le immagini di una Napoli distrutta rimasero impresse nella mia mente. Ogni tanto, con il permesso dei miei genitori, potevo osservare le bombe che cadevano sul porto di Napoli e queste immagini di devastazione sono rimaste ricordi indelebili nella mia mente.

L'amore per la lettura

Fin da piccola avevo un grande amore per i libri. Ricordo con affetto la mia prima lettura, “I misteri della giungla nera”, di Emilio Salgari, prestato da un’amica. Leggere era il mio rifugio e la mia passione; questo amore per i libri plasmò la mia visione del mondo e ha sempre rappresentato un’opportunità di crescita fondamentale. Oggi noto una differenza tra la mia generazione e i bambini di oggi, che sembrano avere meno interesse per la lettura, immersi in un mondo di giocattoli con cui neppure giocano più.

Gli anni di formazione

Dopo aver ottenuto la licenza ginnasiale, mi trasferii in Svizzera per due anni. I miei studi a Losanna furono impegnativi e mi distaccarono dai miei sogni di studiare filosofia all’università.

Tornata in Italia, mi resi conto che mi mancava ancora la licenza liceale, un ostacolo tra me e il desiderio che coltivavo. Mia madre propose una soluzione. Avrei avuto l’opportunità di studiare con insegnanti privati per un anno. Il mio impegno mi permise di superare l’esame, aprendomi finalmente la strada verso l’università e il mondo della filosofia che tanto desideravo esplorare.

Questa esperienza mi insegnò a perseverare e a trasformare le sfide in opportunità. Finalmente, all’Università Federico II, iniziai gli studi in Lettere e Filosofia, cui mi dedicai con passione.

Galeotta fu Roma

L’incontro con il futuro marito, il Cavaliere del Lavoro, Conte Vittorio Emanuele Rimbotti, avvenne durante il matrimonio di una mia cugina a Roma. Quando ci innamorammo e decidemmo di sposarci, il mio percorso accademico fu interrotto, ma il nostro matrimonio aprì nuove strade e opportunità.

Vivere accanto a una persona così piena di vita e di idee mi ha insegnato a guardare sempre avanti, a non fermarmi mai di fronte alle difficoltà e a credere nel potenziale mio e delle altre persone. Ogni giorno con lui era una scoperta, un viaggio verso nuovi orizzonti.

Un cuore, due città

Le nozze mi hanno portato a Firenze – anzi a Fiesole, uno dei sobborghi più belli – dove viveva mio marito e dove abito tuttora. All’inizio, trovavo la città riservata e diversa da Napoli. Tuttavia, con il tempo, apprezzai la sua bellezza e la sua ricchezza culturale.

Il capoluogo toscano è una delle poche città italiane che ha una storia “tutta sua”, mentre Napoli è appartenuta a varie dinastie. Forse per questo motivo Firenze, così mi è parso, era più riservata, più aristocratica… gli inizi non furono facili.

Oggi ho due luoghi del cuore: Napoli, con il suo calore travolgente, e Firenze, con la sua serena magnificenza. Entrambe hanno plasmato il mio spirito, arricchendomi la vita in modi inimmaginabili. Napoli mi ha insegnato la passione e la bellezza, mentre Firenze mi ha mostrato la profondità e la raffinatezza dell’arte. In questo modo, il mio cuore è diviso tra due amori, entrambi essenziali per la mia anima.

L'amore che illumina

Mio marito, un ingegnere di grande sensibilità e impegno sociale, ha avuto un impatto profondo sulla mia vita. Aveva avuto un’infanzia complicata: sua madre era morta quando lui aveva dodici o tredici anni ed era andato ad abitare con degli zii che erano i proprietari della Villa Il Garofalo, la dimora storica nella quale vivo. La famiglia di Dante Alighieri e quella di Beatrice sono state probabilmente le più illustri tra le famiglie che, nel corso dei secoli, hanno abitato qui.

La sua disponibilità ad aiutare gli altri e il suo sostegno incondizionato sono stati per me una fonte di ispirazione. La libertà che mi ha concesso di seguire le mie passioni e di contribuire ala crescita culturale e morale della società è stata fondamentale per me.

Un viaggio di impegno e di scoperta in difesa delle donne

Sposata e presto madre, ho trovato un equilibrio tra la vita familiare e l’impegno sociale. Il lavoro associativo con il CIDD, il Comitato Italiano Difesa della Donna, è stato particolarmente significativo. Questa organizzazione lottava per i diritti delle donne in un’epoca di grande indifferenza verso le problematiche di genere.

Ho avuto l’opportunità di conoscere storie di donne in difficoltà e di contribuire alla chiusura delle case di tolleranza. Essendo giovane all’epoca, questa esperienza fu una grande scuola per me: mi permise di sviluppare un forte interesse per i diritti umani e mi mostrò il potere del lavoro collettivo e della solidarietà, stimolando il mio impegno per la giustizia sociale e l’uguaglianza.

Successivamente, ho ricoperto il ruolo di Presidente della Consulta regionale femminile autonoma della Toscana e del CIRS. Poi sono entrata nell’Associazione delle Imprenditrici e Donne Dirigenti d’Azienda, l’AIDDA. Pensavo di accettare solo per partecipare, ma loro decisero che dovevo fare la Presidente. Questo mi ha permesso di conoscere persone di ogni tipo, professioniste e imprenditrici. Sebbene io non fossi né l’una né l’altra, ho imparato tantissimo. Gli scambi di conoscenze e l’affetto che ho ricevuto sono stati preziosi.

Il ricordo dell'alluvione del '66

L’alluvione di Firenze del 1966 è stata una calamità che ha colpito profondamente la città. Nonostante la devastazione, la risposta collettiva fu straordinaria. In quel contesto, io e altri abbiamo avuto l’idea di allestire una cucina da campo in Piazza Santa Croce.

Lì cucinavamo per i volontari e le persone colpite dall’alluvione.

Ho visto come la comunità si è unita per affrontare l’emergenza e questo episodio mi ha insegnato il valore della solidarietà e dell’impegno collettivo.

L'attentato a Via dei Georgofili e la nascita dell'Associazione Amici degli Uffizi

Ma è stato il 1993 che ha segnato una svolta nel mio percorso. Dopo l’attentato di via dei Georgofili, ho sentito forte il dovere di intervenire. Da questa esigenza sono nate l’Associazione “Amici degli Uffizi”, che ho fondato assieme a tanti amici appassionati d’arte, e la sua gemella americana, “Friends of the Uffizi Gallery”.

La nostra missione: proteggere e valorizzare uno dei musei più importanti al mondo.

Siamo orgogliosi di aver finanziato, in oltre venti anni di attività, oltre 112

restauri e 115 acquisizioni, per un totale di 20 milioni di euro.

In parallelo, mi sono impegnata nel FAI, il Fondo Ambiente Italiano, e nel Consiglio di Amministrazione della Fondazione Scuola Musica di Fiesole, una delle istituzioni musicali più stimate in Italia.

L’arte e la bellezza hanno sempre rivestito un ruolo fondamentale nella mia vita: credo profondamente nel loro valore incommensurabile, nella loro capacità di aprire gli occhi, di elevare lo spirito, di stimolare l’intelletto e di unire le persone.

Per me l’arte non è solo estetica, ma anche un potente veicolo di cambiamento, di riflessione oltre che di crescita personale e sociale.

Sono estremamente orgogliosa di aver dato il mio contributo alla salvaguardia e alla valorizzazione dell’arte. Mi considero davvero fortunata, poiché ritengo che una vita piena d’amore sia una vita ben spesa.

Tuttavia non mi sento un’eroina: il mio privilegio è stato quello di mettermi al servizio di questo meraviglioso mondo, concorrendo a custodire quanto esso ha di meglio.

Alex Pinna

PMSAdmin — Thu, 07 May 2020 13:24:18 +0000

La passione per i fumetti

Sono nato a Imperia nel 1967, in un tempo in cui i bambini si divertivano con poco e bastava anche solo un fumetto per traghettare in un mondo nel quale curiosi omini o animali prendevano vita, protagonisti di storie buffe e improbabili. Forse proprio perché molto timido, sono sempre stato, sin da piccolo, un appassionato disegnatore. Mi esprimevo in quel modo: amavo i fumetti e mi divertivo a raffigurarli ovunque. Di recente, nella mia casa d’infanzia, ho ritrovato sotto il piano di un tavolo tutti i personaggi che disegnavo di nascosto: un’autentica sorpresa, perché non ricordavo di averlo fatto.

Dopo le medie, scelsi il liceo artistico a Savona. Vivevo in un paesino della provincia e ogni mattina mi toccava alzarmi presto e prendere un trenino, uno di quelli con i sedili di legno, per andare a scuola. I miei erano preoccupati per la mia forma mentis così particolare: avrebbero voluto per me qualcosa di meno aleatorio, tanto che mia madre cercò di farmi fare la ragioneria. Ci fu un periodo di conflitto per questo, che per fortuna non durò molto: a un certo punto si misero l’anima in pace quando compresero che io non avrei ceduto. Al liceo ho poi approfondito questa mia passione: lì ho cominciato a capire che poteva diventare qualcosa di più.

L’Accademia di Brera

Dopo il Liceo, a 18 anni, mi sono trasferito a Milano per studiare nell’Accademia delle Belle Arti di Brera, una scuola mitica, che ha fatto ampiamente la sua parte nei linguaggi dell’arte contemporanea. Per mantenermi agli studi lavoravo in un’azienda di Empoli che si occupava di decorazioni su vetro. Nonostante la mia passione per l’arte non diedi nessun problema alla mia famiglia: aprii allora la mia Partita Iva.

All’Accademia devo tutto: buona parte di ciò che accaduto dopo nella mia vita è dipeso da quei quattro anni tanto che quando, alla soglia dei 50 anni, sono stato chiamato a insegnare all’Accademia di Catanzaro ho accettato il lavoro per una forma di riconoscenza verso questo tipo di istituzioni, anche se esse in Italia non sono molto riconosciute. Tra i miei docenti di allora c’erano personaggi incredibili come Luciano Fabro, Roberto Sanesi, Miklos Varga…l’atmosfera era bellissima, molto stimolante. Io frequentavo i corsi di pittura ma quando vedevo passare per i corridoi un personaggio come Alik Cavaliere, che dirigeva l’aula di scultura, mi emozionavo. Avevo seguito la sua storia di artista: era un uomo davvero affascinante e, per i suoi allievi, uno straordinario docente…una di quelle figure autorevoli, importanti per la storia della cultura italiana, a cui noi studenti guardavamo con rispetto e ammirazione. Ognuno di loro ha lasciato qualcosa di significativo e dei ricordi indimenticabili.

Su maestri…

Ma nei confronti di quei maestri non c’era solo rispetto: c’era, soprattutto, il riconoscimento di un ruolo, cosa che, per lo più, oggi manca. Per me avere un mentore è stato importante soprattutto da un punto di vista tecnico. Ho imparato moltissimo lavorando negli studi degli artisti come assistente. Farei fatica a dire chi sono i miei maestri…alcuni molti “lontani”, alcuni non li ho mai conosciuti. Tutta la storia dell’arte confluisce nel lavoro di un artista. Siamo un po’ figli di tre-quattrocento anni di storia: quanti maestri potrei enumerare? Almeno una cinquantina.

Quando questo lavoro diventa una passione così travolgente che ti prende tutta la vita, cominci a sentire come un sentimento di filiazione e di complicità con artisti anche molto distanti temporalmente o geograficamente.

…e mentori

Intorno ai vent’anni collaborai con un artista americano, Allan Kaprow, che era a Milano per l’allestimento di una mostra alla Fondazione Mudima. A lui si deve l’invenzione delle performance con l’apporto di pubblico. Quei tre mesi trascorsi con Allan in un capannone vicino a Linate per me sono stati molto importanti. Lui veniva dal mondo della cultura degli anni ‘60 americani: mi raccontava delle sue esperienze da giovane, della sua amicizia con John Cage, della comunità hippie di San Diego, della beat generation… In quei mesi con Allan ho capito che veramente la storia siamo noi. Non è uno slogan: come artisti, davvero abbiamo fatto un pezzo della storia di questo Paese. Gli artisti sono persone normali, ma hanno anche delle antenne molto capaci…soprattutto quelli che sono in grado di incidere nell’evoluzione del linguaggio possono lasciare un segno molto profondo a livello sociale.

Dalla pittura alla scultura

Nel periodo in cui ho finito l’Accademia si lavorava su un linguaggio concettuale abbastanza freddo: cercai di adeguarmi a quel canone, ma non mi apparteneva. Quando me ne accorsi azzerai tutto e cominciai con qualcosa in cui riconoscermi sul serio: ed erano i contenuti della pittura infantile. Per cui ho cominciato a lavorare sui personaggi dei fumetti e delle favole. Da piccolo immaginavo che la pittura sarebbe stato lo sbocco più normale, ho imparato a dipingere e dipingevo, utilizzando tutti i segreti del mestieri. Ma a un certo punto della mia vita mi sono trovato a fare delle sculture: non avevo mai studiato scultura. In questo sono totalmente autodidatta, ma mi sono accorto, scolpendo, che l’opera veniva fuori in modo fluido, senza intoppi, cosa, questa, che invece non accadeva con i dipinti. Ho capito, mio malgrado, che non ero un pittore ma uno scultore. Per la mia sensibilità trovo molto più complesso dipingere.

Dal 1993 ho esposto in personali e collettive in tutta Italia, mentre all’estero il mio lavoro è stato presentato a Shanghai, Tel Aviv, Londra, New York, Los Angeles, Colonia, Lugano… Ricordo il primo lavoro che ha avuto abbastanza successo: “L’assassinio di Beep”, del ’94. Questa scultura mise sotto i riflettori i miei lavori perché ero riuscito ad andare oltre il consueto.

Ho scoperto allora che la mia idea di lavorare con un canone comprensibile al pubblico trovava molto seguito. Le persone avevano bisogno di potersi riconoscere e immedesimare, non volevano qualcuno che gli spiegasse cosa stava vedendo. Certo anche “L’assassinio di Beep” era una metafora, ma il primo impatto era diretto. Questa è una caratteristica che il mio lavoro ha conservato: o piace o non piace, ma non è possibile che non sia compreso.

I miei personaggi

In quegli anni, oltre che sul fumetto e sulle favole, ho iniziato a lavorare su un’idea di figura. Ogni bambino ha un compagno di giochi immaginario …io ho cercato di trasformare in qualcosa di reale questo tipo di personaggi. Le prima volta che ho realizzato figure con le gambe lunghe volevo fare dei personaggi che dessero l’idea di essere molto veloci. Non sono in conflitto con la materia: cerco di lavorare sull’eleganza, sull’equilibrio, sull’attesa. Il centro per me è la distanza.

Le mie forme sono un po’ timide, un po’ appartate, non vanno verso il pubblico. Li metto un po’ in alto i miei personaggi. Loro sono anche un po’ scorbutici, un po’ scontrosi, non è che abbiano tutta questa voglia di apparire. Un mio amico anni fa mi ha detto di loro una cosa bellissima: che sembravano le bacchette di un direttore d’orchestra prima che iniziasse il concerto…ecco, l’attimo prima che tutto inizi, ma dentro c’è già tutto, probabilmente c’è anche il dopo. I miei personaggi sono delle idee, delle idee di una figurazione… perché l’uomo è costretto a raccontare la sua storia.

Mi piace pensare che il pubblico possa immedesimarsi in essi…meno sono definiti più è facile che questo accada: per cui non sono né maschi né femmine, né alti né bassi, né magri né grassi… sono figure umane, come siamo noi, forse solo un po’ più ombre di quanto siamo noi. Sono dei dubbi tridimensionali. “Minacciano” di fare delle cose…più tolgo io, questa è la cosa divertente, più il pubblico aggiunge…

Non credo di avere delle grandi verità da proclamare, se ce l’avessi forse riuscirei a fare delle figure vere e proprie… Io sono un disegnatore della scultura. Solo questo.

Alberto Biasi

PMSAdmin — Mon, 29 Jul 2019 15:01:51 +0000

L’infanzia e gli inizi

Sono nato a Padova nel 1937. A sei anni, dopo i primi bombardamenti bellici, rimasi orfano di mamma e con mio padre mi trasferii nel paese dei nonni paterni. Allora i tempi erano molto difficili, ma ci si dava comunque da fare. Ricordo che con un coetaneo sottraevo munizioni da un deposito d’armi tedesco. Non mi rendevo conto del rischio, né ricordo che qualcuno me l’avesse insegnato, ma riuscivo a smontare proiettili e bombe per estrarne le polveri e scambiarle con chi caricava cartucce da caccia e altro.

Allo stesso modo, nel 1960, quando mi trovai fra le mani un ombrello giapponese, iniziai a osservarlo da dentro e, percependone una visione dinamica, smontai e rimontai le stringhe di bambù per capirne la costruzione e poi lo trasformai in una cosa che intitolai “oggetto ottico-dinamico”. In effetti, memore del Dadaismo e della poesia-oggetto, mi venne spontaneo considerare pittura-oggetto quella composizione perché combinava in un insieme le risorse della pittura e della modellazione plastica. A 22 anni iniziai la mia attività artistica fondando, nel 1960, insieme a Manfredo Massironi, allora mio inseparabile compagno di strada, il “Gruppo Enne”. In quel periodo furono inaugurati lo Studio Enne e la “Mostra chiusa. Nessuno è invitato a intervenire”. Per quanto ricordo, in quegli anni ero convinto che l’arte fosse e potesse diventare una lingua universale con cui comunicare al di là delle barriere create dagli individui e superare gli steccati nazionalistici.

Il cambiamento

I Gruppi nascono nel momento in cui ci si convince che l’artista non può essere considerato il genio, il creatore assoluto dell’opera. Non a caso il Gruppo nasce inventando e producendo opere che non vengono firmate. Sono, essenzialmente, collettivi creativi. Il gruppo però si sciolse nel ’64 e da quel momento ognuno seguì strade diverse.

Alcuni avevano attribuito la colpa delle cose che non andavano e delle incomprensioni a Massironi e soprattutto a me. Ma in verità nel ’64 l’arte del Gruppo e la nostra attività furono messe in difficoltà dall’avvento del sistema in sostegno della Pop Art.

Per noi, in quel momento, finì ogni velleità di sopravvivere con l’attività artistica e ognuno si dedicò ad altro. Io, invece, conservai la passione per l’arte e l’ho coltivata quasi come un vizio, anche quando, per sopravvivere, ho dovuto fare altri mestieri.

Poi bene o male sono riuscito a suscitare un nuovo interesse per l’arte ottico-cinetica, grazie alle creazioni artistiche costruite sulla base di precise illusioni ottico-mentali. In effetti i miei quadri generalmente cambiano aspetto a seconda dell’angolo di osservazione, dando la sensazione illusoria del movimento.

La mia ricerca vuole coinvolgere creativamente il fruitore conferendo animazione ed organicità alla materia. Tempo fa sono rimasto colpito dalla spontaneità di un visitatore del mio studio. Mi disse di non essere lui a guardare, ma di essere guardato dai miei quadri. D’istinto aveva superato le consuetudini e gli schematismi della cultura pittorica abituale. Ho combattuto sempre la staticità dell’opera cercando di animarla. Così un quadro diventa pulsante, materia viva, che si espande e si contrae irretendo con la sua forza attrattiva. Il fruitore, poi, scopre nuove dimensioni formali e inedite possibilità figurali.

Pino Pinelli

PMSAdmin — Thu, 02 Aug 2018 14:01:38 +0000

L’infanzia in Sicilia

La Catania della mia infanzia era quella dell’immediato dopoguerra: nato nel ’38, a 5, 6 o 7 anni capivo abbastanza per comprendere che quelli erano tempi difficili, nei quali era necessario ricostruire. Allora non stavamo proprio a Catania, ma ad Augusta, perché mio padre, ufficiale durante la guerra, era di stanza in quel porto. Da ragazzino ero un monello, una che marinava la scuola per giocare a pallone in Piazza Duca di Genova. L’Italia del tempo era meravigliosa: con al fondo un senso di pulizia e anche di innocenza; i rapporti erano autentici, ci si aiutava di più, forse, perché la guerra era appena finita.

Il richiamo dell’arte non tardò a farsi sentire. In uno dei miei primi tentativi artistici, sarò stato un bambinetto di 10 o 12 anni, stavo colorando un paesaggio su una tavoletta, quando mi accorsi che era finito il bianco; non mi persi d’animo: andai in bagno, presi il dentifricio e con questo allungai il po’ di colore che era rimasto. Questo per dire che se dall’infanzia qualcosa ti si muove dentro, tu lo senti. Insomma da sempre sono stato molto attratto dalla fantasmagoria dei colori sulla tavolozza, tant’è vero che mi divertivo a stenderli per avvertire il brivido della luce. Accostarsi all’arte è stato per me naturale come respirare.

Dopo la guerra mio padre cessò di fare l’ufficiale e riprese il suo lavoro: non avendo potuto fare il cantante, come avrebbe desiderato, pur dotato di una bellissima voce – per una famiglia della borghesia siciliana, con grandi professionisti al suo attivo, impensabile tanta frivolezza – si era laureato in Scienze Economiche e Commerciali. Ma continuava ad essere un uomo sensibile, che mi incoraggiò negli studi artistici quando si accorse che quella era la mia strada. Del resto, se pure non fossi riuscito, avrei potuto sempre insegnare. Questo, fortunatamente, non fu necessario.

Il trasferimento a Milano

Crescendo, quando cominci a fare studi specifici, capisci se sei solo uno studente o se hai un po’ la testa e l’anima dell’artista. L’attrazione verso Milano l’ho sentita proprio da giovane, all’inizio degli anni sessanta: per uno studente che si ciba delle suggestioni evocate dalle riviste d’arte, quello fu un richiamo irresistibile. In quegli anni, effettivamente, la città era un faro internazionale, una vera fucina: c’erano pittori come Manzoni, Castellani, Bonalumi, Dadamaino, Colombo, Simeti e vi operava l’artista contemporaneo che io considero il più grande di tutti, Lucio Fontana. Mi trasferii nel 1963 e lì cominciò la mia riflessione sull’essenza della pittura. Nel 1966 partecipa al Premio San Fedele e, nel 1968, alla Galleria Bergamini, feci la mia prima personale.

La riflessione sulla pittura

La mia pittura, all’inizio, fu molto influenzata dal concettualismo minimalista e dalla lezione di Lucio Fontana. Bisogna tenere presente che in Italia gli anni Settanta furono caratterizzati, in generale, da un vero e proprio “sconvolgimento” stilistico. Il quadro, inteso come un insieme inscindibile di tela e di cornice, stava mostrando il suo limite, perciò sulla superficie cominciarono a comparire estroflessioni o tagli. Le mie tendenze pittoriche si chiarirono in quel periodo, proprio agli inizi degli anni Settanta: in questa fase, nella quale tentai di creare un legame fra tradizione e innovazione, la mia attenzione era rivolta, in particolare, alla superficie pittorica e alle sue “vibrazioni”. Sono sempre stato un artista non figurativo, aniconico. Indagavo, allora, sull’idea di geometria non euclidea; a partire da opere come Topologie e Punti molli, rispettivamente del ‘71 e del ‘72, procedendo alla ripetizione di una stessa forma, ero spinto verso una riflessione sul linguaggio pittorico e sulle sue infinite possibilità (riflessione che, variamente declinata, mi ha accompagnato fino ad oggi come una costante).

I monocromi e la corporeità della pittura

Nel 1973, attraverso un processo di “sottrazione”, una sorta di sintesi assoluta, arrivai al monocromo”, dove 7 o 8 tonalità di un solo colore si increspavano sulla superficie del quadro, quasi fossero il respiro stesso della pittura. Tali opere, intitolate semplicemente Pittura, cui seguiva l’iniziale del colore usato (BL per blu, GR per grigio, R per rosso ), testimoniavano la volontà d’indagare sul problema percettivo dei colori fondamentali, di quelli complementari e dei grigi. Già dal ’74-’75, in luogo della tela classica, cominciai a usare una flanella bianca, non preparata. Questa, toccata dalla pittura, assumeva una consistenza diversa, stimolando il piacere della seduzione, giacché la pittura ha una natura “corporea”, femminile. Lavoravo su delle forme modulari accostate, per esempio tre quadrati, costruite con un telaio rivestito di flanella o, in qualche caso, di pelle di daino; in tal modo avevo introdotto un altro elemento che poi diverrà fondamentale nella mia opera: la tattilità.

Le disseminazioni

Poi, nel ’76, venne proprio meno il concetto di quadro: il muro entrava nella pittura e tutto insieme diventava opera. Fu una svolta decisiva: destrutturai il quadro attraverso la divisione del suo perimetro in elementi angolari circoscriventi il vuoto interno della parete (“rettangolo tagliato”). Infrangere il concetto stesso di quadro in frammenti era l’esito “necessario” e “disperato” di un percorso legato alla storia dell’arte europea, italiana in particolare, e al peso “schiacciante” di ciò che era stato prima: dopo questa storia, nella quale avevano operato i grandi della tradizione pittorica (da Giotto a Masaccio, da Piero della Francesca a Caravaggio), l’unico gesto possibile era quello di “pensare” la pittura, non più di “farla”, conferendole un nuovo senso.

Da allora, il mio focus si è spostato all’intera superficie e allo spazio complessivo; avevo abbandonato l’idea convenzionale di superficie e di bidimensionalità dell’opera. Nascevano le mie prime “disseminazioni”: cercando di riscrivere una mia nuova sintassi del dipingere, i frammenti di pittura erano lanciati verso la parete col gesto del seminatore. La parete stessa, dunque, perdeva il suo status neutrale e diventava coprotagonista, accogliendo elementi di colore declinati nelle forme più diverse, come lanciati, per lo più, lungo un percorso non rettilineo ma lievemente ad arco.

All’inizio le “disseminazioni” erano costituite da pochi elementi; poi, col passare degli anni fino al tempo presente, questi elementi si sono moltiplicati, in modo talvolta consistente: fluttuano e migrano in piccole o grandi formazioni, corpi di pittura in cammino nello spazio. I miei lavori usano per lo più i colori fondamentali (rosso, blu, giallo, nero, bianco e grigio) ma anche quelli complementari e sono fatti di materiali “ansiosamente duttili”, fisicamente tattili nel colore che pulsa di vibrazioni luminose: ho scoperto poi, via via, nuovi materiali e procedimenti, che mi hanno consentito di dare un corpo a quello che dipingo. Ho inventato una “tecnica mista”, risultante da vari materiali amalgamati che, dipinti, assumono una pelle sensualmente tattile, quasi una specie velluto. Per fare questo, ogni mia opera necessita di una lavorazione lunga e laboriosa: le opere le vedo solo quando le monto. Ma, sin dall’inizio, è già tutto nella mia testa.

L’evoluzione

Per quanto riguarda le diverse fasi delle disseminazioni, posso dire in particolare che, fino al 1983, le strutture modulari erano rivestite di flanella. Nel 1987 esse hanno lasciato il campo a forme irregolari. Le scaglie sono diventate rotonde, ovali, rettangolari, oppure corone circolari, sempre con i margini slabbrati e con una superficie che evidenziava il solco delle dita impresso sulla materia. È come se, dipingendo, la mia pittura si autogenerasse solidificando la pennellata, si desse un corpo, accrescendo dall’interno le possibilità del dipingere stesso.

Questa pittura dotata di “corpo” si organizza sopra la parete secondo due andamenti uguali e contrari: ora lungo un ampio campo di forze centrifughe, ora, invece, secondo una potente forza centripeta. Dal 1994 ho gradualmente abbandonato le forme dai contorni slabbrati a favore di strutture aventi un aspetto più regolare. Al presente la croce ha assunto una funzione chiave perché sono proprio le croci a permettere le grandi disseminazioni, che esprimono più propriamente il mio modo di “fare pittura”.

Le esposizioni

Oltre a innumerevoli mostre collettive, ho tenuto oltre cento mostre personali in musei e istituzioni culturali italiane e straniere, tra cui, nel 2016 una grande monografica al Multimedia Art Museum di Mosca e, nel 2017, l’antologica al Marca di Catanzaro; sempre nel 2017 una mia opera è entrata a far parte della collezione permanente del Centre George Pompidou.

Carlo Rambaldi

PMSAdmin — Mon, 27 Nov 2017 07:55:06 +0000

Una passione innata

Carlo Rambaldi, il ferrarese trapiantato in America, non è solo universalmente conosciuto come uno dei più grandi creatori di essere fantastici, per un totale di centinaia di collaborazioni a film di ogni genere e livello, ma è anche un maestro che ha fatto della propria arte una ricerca continua e “ossessionata” verso un’idea: è il movimento che regala emozione. Nato a Vigarano Mainarda in provincia di Ferrara il 15 settembre 1925, sin da bambino Rambaldi cerca di animare tutte le cose che crea: fondamentale, in questo, anche l’esperienza nell’officina meccanica del padre. Dopo la laurea conseguita presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, da pittore e scultore inizia a frequentare l’ambiente cinematografico. “Sbarca” dunque a Roma, dove realizza i suoi primi progetti con famosi registi italiani.

Il trasferimento negli Stati Uniti ed il successo

Poi si trasferisce a Los Angeles dalla seconda metà degli anni ’70: qui diviene un maestro degli effetti speciali, un grande artista del cinema, che lascia un segno indelebile della sua arte. Vince tre premi Oscar per i film King Kong di John Guillermin (1976), Alien di Ridley Scott (1979) ed E.T. l’extra-terrestre di Steven Spielberg (1982).

Attento studioso del passato e del presente, e fertile ideatore di città del futuro, può essere considerato l’ultimo artista dei trucchi scenici di tipo plastico ed elettromeccanico, capace di realizzare il progetto grafico e di sovrintendere a tutte le fasi di realizzazione del modello.

Il padre della “meccatronica”

Rambaldi ridefinisce in modo netto e originale il fantastico mondo degli “effetti speciali visuali”, ai quali conferisce, quasi come fosse stato un artista del Rinascimento, un’artigianalità e un genio tipicamente italiani. Abbina la meccanica e l’elettronica, creando la “meccatronica”.

Un’arte visionaria, nata per dare vita a veri e propri essere cibernetici, ribattezzati “attori meccanici” per la veridicità dei movimenti. Ma all’interno di questi esseri che hanno commosso, divertito o impaurito intere generazioni di spettatori, batteva un cuore umano, quello del suo creatore.

La vita fuori dal set

Uomo schivo e riservato, non amante del jet set, Rambaldi dedica il suo poco tempo libero alla famiglia e, con immensa discrezione, alla beneficenza.

Nel 2002 riceve un David di Donatello alla carriera. Gli ultimi anni della sua vita li trascorre in Calabria, a Lamezia Terme, mettendosi a disposizione dei giovani per testimoniare come la passione sia il motore che porta a realizzare i propri sogni.

La Fondazione culturale Carlo Rambaldi

La Fondazione culturale Carlo Rambaldi, presieduta dai figli Victor e Daniela, continua a lavorare nell’ambito della beneficenza, aiutando bambini e donne vittime di violenze.

Tra gli altri ambiziosi progetti, quelli di attivare corsi cinematografici per giovani artisti e di portare a termine la nascita del museo che ospiterà le testimonianze della carriera artistica di Rambaldi.

Cesare Berlingeri

PMSAdmin — Wed, 22 Nov 2017 15:24:07 +0000

Da subito un amore infinito

Ho cercato la mia verità, l’ho fatto attraverso l’arte, un amore infinito. Sono nato a Cittanova nel 1948 e già a 5 anni, come fanno molti bambini, iniziai per strada a fare dei segni sull’asfalto, in maniera primitiva, con il gessetto, senza capire perché li facevo. Era allo stesso tempo un gioco e una scoperta continua: disegnare mi dava modo di creare delle cose che prima non esistevano, era un miracolo.

La mia era una famiglia proletaria che cercava ogni giorno di affrontare i suoi problemi di sopravvivenza e all’arte non ci pensava minimamente. Mia madre aveva un grande senso armonico del colore: mentre dipingevo entrava in stanza e capitava mi dicesse che in un punto c’era troppo rosso e questa cosa mi dava fastidio soprattutto perché aveva ragione; mio padre, invece, mi ripeteva che facendo l’artista sarei morto di fame, ma non ostacolò mai la mia passione.

Le passioni sfuggono alla ragione, ti innamori di qualcosa perché è già dentro di te. A dieci anni iniziai a studiare dal Maestro Deleo, docente in pensione dell’Accademia di Liegi; a tredici dipingevo delle cose già abbastanza complesse: ero capace di fare una copia di Vermeer, di Raffaello o di Michelangelo.

Lontano dalla Calabria tra scenografie, costumi e pittura

Nel 1964 partii dalla Calabria con una decina di paesaggi fatti su compensato perché la tela non potevo permettermela. Andai in Piemonte e cominciai ad occuparmi della decorazione di alcune chiese.

Quattro anni dopo, insieme a un amico, decidemmo di fare un viaggio. Andammo a Parigi al Museo d’Arte Moderna, dove vidi i miei primi Picasso, Matisse, Brâncuși: ne rimasi folgorato, sembravano dei soli calati nella stanza. E lì ho capito che la pittura era un’altra cosa…

A Roma, negli anni ’70, iniziai a lavorare per il teatro e per la televisione come scenografo e costumista. Questo fu molto importante per la mia pittura: in teatro, attraverso le scenografie, potevo fare dei grandi quadri che si muovevano sul palcoscenico insieme ai personaggi, dei quali usavo i costumi come indicazioni di colore in movimento.

Le prime personali

Negli anni ‘70 nella capitale c’erano i maestri della cosiddetta “Scuola di Piazza del Popolo”, legati alla Galleria Soligo: pittori come Schifano, Turcato, Festa, Angeli… Ma io ero arrivato a Roma con un’idea completamente diversa dalla loro: a me interessava che la materia utilizzata diventasse essa stessa spazio; mi affascinavano artisti con una profondità e con una visione differenti, gente come Fontana e Burri. Tano Festa, ad esempio, era estremamente diverso da me. Ci raccontavamo storie infinite che facevano parte del nostro contemporaneo perché la storia dell’uomo è talmente piccola e breve che finisce in pochissime cose. Comunque proprio nella Galleria Soligo, nel 1978, venne allestita la mia prima mostra romana dal titolo “Trasparenze”.

Quelli furono anni di intensa sperimentazione: provai a dipingere usando agenti come il vento, la poggia, il fuoco, e materiali come la calce, il cemento e la carta straccia oltre alla tela. Scoprii che quest’ultima, se non utilizzata come supporto, si offriva come materia: piegandola, venivano alla luce il suo carattere intimo e la sua trasparenza. Le opere di questo periodo furono presentate in occasione della mia prima personale, nel 1975, presso la Galleria AxA di Firenze.

I dipinti piegati

Nel 1990 l’incontro con Tommaso Trini, uno dei personaggi di maggior rilievo della critica d’arte italiana, ha segnato l’inizio delle rassegne relative ai dipinti piegati: essi, infatti, furono presentati proprio nel ’90 nella personale “Opere recenti” (per la quale non feci che riprendere e sviluppare le tele piegate già abbozzate in piccole dimensioni sin dal 1976). Ma c’era una novità rispetto al passato: le piegature, espandendosi nello spazio e non più soltanto sulla superficie del quadro, divennero delle vere e proprie installazioni, giungendo così al loro esito più naturale. L’idea delle Piegature era nata da un ricordo infantile: per togliere il malocchio mia madre teneva al collo un piccolo involucro opaco di stoffa nera. Ma la cosa veramente importante, cioè l’atto del piegare grandi tele dipinte, la scoprii per caso in teatro: un giorno mi trovai a osservare il fondale di un cielo stellato che avevo dipinto e che i macchinisti stavano piegando per riporlo via; era come se la volta celeste sprofondasse; di piega in piega il fagotto si rimpiccioliva e alla fine non restò che un piccolo panno di circa 80 centimetri di larghezza.

L’emozione che ebbi nel vedere quel cielo che si stava trasformando in un fagotto fu indescrivibile: era come un buco nero che assorbiva immagine ed energia. Scoprii che puoi dipingere un paesaggio, un colore, piegarlo e portatelo via. Per tutta la vita. E questo non è un fatto mentale: diventa un fatto pratico, vero, concreto. Da lì partì una lunga riflessione sull’arte e sulle sue espressioni in relazione alla vita. L’arte riflette sulle cose, e, paradossalmente, è un andare a vuoto dello sguardo intorno a ciò che resterà sempre invisibile. L’arte rende l’invisibilità della visibilità. Disegno i miei cieli stellati perché mi portano in altre dimensioni, mi portano a un cielo altro. Se vogliamo raccontare le cose didascalicamente abbiamo altri strumenti, ma l’arte va sempre oltre, l’arte va in profondità.

Dalla Calabria in Italia e nel mondo

Vivo e lavoro da tanti anni in Calabria, a Taurianova, un paese del reggino dove ho uno bellissimo studio in un palazzo del centro storico.

La mia regione è per me un punto fermo: fino al 1974 sono stato responsabile per il settore Arte dei Centri Servizi Culturali CIF, mentre dall’89 al ‘95 ho insegnato all’Accademia d’Arte drammatica.

Mi sono particolarmente care alcune iniziative calabresi legate al mio lavoro: come la personale allestita presso il Castello Aragonese di Reggio Calabria, con l’ampia retrospettiva “La pittura piegata”, e l’antologica “Cesare Berlingeri, Materia” 1975 – 2005, a cura di Philippe Daverio, presso il Complesso Monumentale di S. Giovanni, a Catanzaro, entrambe del 2005.

Molto significativa anche la rassegna dal titolo “Compenetrazione”, allestita 2014 presso la Galleria Nazionale di Palazzo Arnone a Cosenza: un’iniziativa che mi ha dato la possibilità di progettare le mie installazioni in rapporto con le opere di alcuni grandi maestri del Seicento, in una sorta di dialogo “muto”, ma non per questo meno intenso e vitale. Negli anni ho realizzato tante personali e collettive. Non potrei ricordarle tutte: Firenze, Roma, Milano, Catania, Messina, Padova… Ma ci sono state diverse mostre anche fuori dall’Italia: nel 2006, ad esempio, al MUDIMAdrie di Anversa ho proposto un altro ciclo dei miei lavori nella personale intitolata “I Corpi”. Tra il 2007 e il 2012 ho viaggiato molto per gli allestimenti delle mie mostre: da Tokio a Rio de Janeiro, da Tel Aviv a New York fino a Pechino. Nel 2017, infine, ancora gli Stati Uniti, con una doppia esposizione a Miami.

L’eccellenza nell’arte

Quando guardi l’opera di un artista o leggi una poesia e ti vibra dentro qualcosa …quella è un’eccellenza. Credo che l’eccellenza debba parlarti. I quadri sono silenziosi ma ti parlano con una voce interiore che ti risuona dentro, se sei capace di ascoltarla.

Il successo è avere dubbi continuando ad essere se stessi e a inseguire la propria visione. Si vive nel dubbio costante, nell’incomprensione costante: nel momento in cui si è capiti si è finiti, nonostante l’arte aiuti l’uomo a conoscersi meglio.

Ci siamo costruiti tanti di quegli specchi illuminati da tutte le parti che abbiamo perso il concetto dell’ombra e con essa il concetto di mistero. La pittura agisce sulla forma con il silenzio. Non me ne frega niente della piega in sé, l’arte non è narrazione, non è racconto: è forma!

Tra le pieghe della “creazione”

Per me l’artista è colui che inventa una nuova forma. Non bisogna guardare le pieghe, ma il quadro. Io spero che chi osserva una mia opera non guardi solo la piega, ma faccia un viaggio all’interno di questa struttura cercando il mistero che ha dentro di sé.

Le mie opere diventano un corpo colore, un corpo segnico dove all’interno si racchiude il mio tempo, il mio istante. Il momento della creazione è il momento del vuoto. Un momento di purezza, di nulla. Se c’è il vuoto puoi creare; nel buddismo il vuoto è il simbolo della conoscenza perfetta.

L’ arte

L’arte è un attimo di purezza tra l’uomo e la materia. Ed è anche quello che diceva Leonardo da Vinci: ombra e luce. La mia piegatura è un dialogo tra l’ombra e la luce.

L’arte è come prendere un biglietto alla stazione per fare un viaggio dove non sai la direzione né se ritornerai. Senza l’arte non si potrebbe vivere: l’uomo si distingue dagli altri esseri perché fa arte; ha questa capacità di prendere una zolla di terra o un’altra materia e di trasformarla in poesia, se ne è capace. E questo è un miracolo.

Silvio Vigliaturo

PMSAdmin — Wed, 26 Apr 2017 15:10:08 +0000

Il mio paese natale

“Bella è la patria mia coi suoi vigneti, col suo vecchio castello e i suoi torrenti. Limpide son le sue fontane, e i venti sospirano d’amor per gli uliveti. Di monti coronata e di querceti sfidò l’ira dei nembi e dei potenti, culla di forti, impavidi ed ardenti, di martiri, di santi e di poeti.”

La dolcezza di un dimorare che senti tuo, l’orgoglio di un’appartenenza, il fascino di una natura integra e amica dell’uomo risuonano in questa poesia in cui Vincenzo Julia parla di Acri, il suo paese natale. Queste emozioni sono anche mie, perché Acri è il luogo nel quale anch’io sono nato…
Prima di partire per il Nord vivevo con la mia famiglia nel cuore del centro storico di Acri, in un vicolo che sbuca sulla strada recante il nome del poeta citato poche righe or sono.
Sono nato il 3 febbraio del 1949: la guerra era finita da poco e i tempi erano ancora molto difficili.

La partenza per il Piemonte

Avevo due genitori meravigliosi, che non solo amavano noi figli, ma sapevano comprenderci e stimolarci con affetto…
Amo il disegno e la pittura sin dalla più tenera età: forse anche perché vedevo mio padre dilettarsi in questo modo durante le lunghe serate invernali con la famiglia riunita intorno al camino.
Nel 1961 mio padre morì prematuramente: io avevo 12 anni…Trascorse un po’ di tempo e mia madre mi parlò come fossi stato un adulto: papà non c’era più ed eravamo rimasti soli io e lei. I miei fratelli vivevano già in Piemonte per lavoro: noi avremmo potuto rivederli una volta all’anno, quando fossero venuti in vacanza d’estate, oppure potevamo andare noi lì, trasferendoci definitivamente per riunire la famiglia.
Il viaggio in treno per andare in Piemonte fu davvero orribile… Approdammo alla stazione di Torino distrutti dalla stanchezza…Era una bellissima giornata di marzo, la ricordo come fosse ora, con un sole splendido che contraddiceva quanto mi era stato detto del Piemonte e cioè che c’era sempre la nebbia.

Chieri

Entrati in paese con l’auto, ci fermammo davanti all’arco di Chieri, che è una struttura bellissima. Quel sole, quel cielo azzurro, quell’arco che sembrava fatto apposta per accogliere i nuovi arrivati: ogni cosa quel giorno fu fonte di emozioni positive, l’incipit di un percorso costruttivo e ricco di cose buone e belle.
Il Piemonte mi ha subito preso, nel senso migliore del termine, e mi ha consentito di fare molte esperienze interessanti. Non ho avuto nessun problema a inserirmi nel nuovo ambiente; le mie uniche difficoltà furono legate alla scuola…Certo c’è da considerare che in contemporanea, al pomeriggio, come si usava anche in Calabria, andavo già a bottega.

La bottega del vetro

A scegliere il tipo di apprendistato che avrei dovuto fare non fui io, ma mia madre… In quella bottega ho conosciuto, per la prima volta nella mia vita, il fascino del vetro: è una materia molto duttile, che permette di fare delle cose straordinarie; e, soprattutto, contiene il colore. È stato questo che mi ha affascinato da sempre; mentre negli altri materiali che si adoperano per fare sculture il colore è in superficie, nel vetro il colore è all’interno. Questo è un fatto incredibile. Avevo tredici anni e… mamma mi portò all’interno di una vetreria d’arte che all’epoca era, e si poteva dire a ragione, ancora una bottega medievale… E quella bottega è stata la mia fucina in tutto: appena entrato ho visto cose affascinanti, che non credevo potessero essere realizzate, invece lì erano pane quotidiano.

Il professor Gigi Bertagna

Nella bottega c’era il maestro, ma lui non era del tutto autosufficiente. Veniva, talvolta, un altro personaggio che era un professore d’accademia, Gigi Bertagna, e che era chiamato per dipingere le cose più importanti di una figura umana…Io ero arrivato lì da sei o sette mesi e il professore non mi aveva mai rivolto la parola. E poi accadde una cosa fantastica: una sera si presentò a casa mia, dove io vivevo solo con mia madre. Avevamo già il campanello. Suonò e mamma andò dal balcone a vedere chi era…Lo facemmo salire, mamma gli offrì il caffè dopodiché chiese il motivo per cui era venuto e lui: “Ho visto il suo ragazzo in bottega, mi interessa molto; se lei è d’accordo, visto che di giorno lavora, sono disponibile a fargli scuola la sera”.

Così cominciai ad andare tre sere alla settimana nel suo studio. Lui era già avanti con gli anni, ma anche il maestro di bottega lo era…
Il maestro di bottega morì; poi, dopo un bel po’ di anni, nel 1987, morì anche il professor Bertagna a novantasei anni, seguendomi fino a 6 mesi prima di morire. L’avevo conosciuto negli anni ’60, morì negli anni ’90…Gli devo infinita gratitudine. In tutto questo dovetti partire per fare il militare…

La mia bottega

Quando tornai dal militare il maestro voleva che io rilevassi la sua bottega. Ma io avevo avuto modo di riflettere e avevo deciso che non volevo rilevare la sua bottega, semmai aprire la mia.

Così continuai la mia sperimentazione sulla pittura per cercare un mio pensiero, una mia visione…

E quindi aprii la mia bottega e feci dieci anni, anzi undici, di studio sul paesaggio urbano. E nel contempo cominciai a partecipare a concorsi di pittura, a quel tempo ce n’erano veramente tanti. Avevo conosciuto, intanto, altre realtà pittoriche, con espressioni che mi interessavano tantissimo e anche questo costituì un insieme di esperienze significative fino a quando accadde qualcosa che poi cambiò il corso della mia vita.

Il duomo di Chieri

Era il 1985: venne a trovarmi in bottega un personaggio della città molto importante… Disse che era venuto perché avevano bisogno di rifare le vetrate del Duomo: alcune erano addirittura pericolose…Dopo mesi di insistenza alla fine mi disse: “Non puoi dirmi di no…Proviamo!”. Ed eccomi qua… questa mia sperimentazione, che partì nell’ottantacinque, culminò nel ‘93. E proprio in quell’anno nacque la mia prima scultura in vetro; ma nel frattempo, in quegli anni avevo fatto tutte le vetrate del Duomo e quelle di altre chiese che mi erano state commissionate.
Insieme ad altre commesse per fare vetrate ho avuto modo di sviluppare una nuova visione di seguito rivelatasi un movimento artistico mondiale chiamato Studio Glass. Ma questo è un altro capitolo, che non posso trattare qui per ragioni di spazio e perché mi premeva di più tornare a quei primi passi che hanno determinato il mio destino di uomo e di artista.

Considerazioni finali

Mi ritengo un uomo fortunato: il mio percorso artistico non si è mai fermato…

Sono stato protagonista di centinaia di mostre ed esposizioni in Italia e nel mondo, testimonial artistico dei XX Giochi Olimpici Invernali, svoltisi a Torino nel 2006, e della Regione Calabria all’Expo Shanghai 2010 e all’Expo Milano 2015, testimonial nel mondo dell’Università della Calabria; a inizio 2013 ho preso parte alla mostra Contemporary Glass Sculpture, dell’Orlando Museum of Art, che raccoglie i più importanti artisti del vetro, in occasione dei cinquant’anni del movimento Studio Glass, di cui sono l’unico rappresentante in Italia.

Acri, il mio paese natale, mi ha dato la direzione artistica del MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) che, inaugurato nel giugno del 2006, ospita oggi una collezione permanente delle mie opere.

Come concludere questa piccola galleria di ricordi? Posso dire che nella mia vita, sin da bambino, ho sempre lavorato…Non ho mai aspettato l’ispirazione perché la mia scuola, cioè il mio voler essere artista, secondo quanto mi ha inculcato il prof. Bertagna, non corrispondeva a quello.

Non si aspetta l’ispirazione; l’ispirazione la si cerca, si costruisce giorno per giorno, riempiendo tante altre scatole di cartone. Poi, al momento giusto, chissà perché, vai ad attingere da una di quelle scatole che hai riempito e trovi sempre quello che stai cercando.